コギト

カスタネットはどうやって演奏しますか？

男子

こうやって叩く！

コギト

じゃあヴァイオリンは？

生徒

えーっと、こうやって指で弦を押さえて…

では、触らないで演奏する楽器があるのを知っていますか？

生徒

え〜！そんなのどうやって音がでるの！

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コギト | 音楽教材研究家

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触らないで演奏する楽器「テルミン」

触らないで演奏できるこの楽器の名前は「テルミン」といいます。

コギト

宇宙っぽい音がするでしょう？

テルミンは1920年にロシアの発明家レフ・テルミンさんによって発明されました。

手を空中で動かすだけで音がなります。まるで魔法のよう。

生徒

なんで触ってないのに音が鳴るの？

このアンテナから高周波が出ていて、手を近づけたり遠ざけたりすると、演奏者が持っている静電気によって高周波が変化して音が変わります。

コギト

横に伸びたボリュームアンテナに手を近づけると音が小さくなる仕組み。

テルミンを使った名曲

↓よく聞くのはサン=サーンスの「白鳥」を演奏したものです。

↓不思議な音色が特徴なので、SF映画やサイコスリラー映画でも使われています。

↓ビーチボーイズの「グッドバイブレーション」にも使われているとは。こちらはちょっと間抜けな効果音みたいに使われていますね。

実は演奏はとても難しいテルミン

男子

俺もテルミン弾いてみたい！

実はテルミンを演奏するのは結構難しいみたい。

演奏者の体格や、演奏する場所での静電容量など、いろいろな状況・環境に音が左右されるらしい。

コギト

演奏前のチューニングはかなり大変みたいですよ。

価格は5万円〜10万円くらいなので楽器としては比較的安いですけどね。

コギト

ででんっ。宇宙で初めて流れた曲は何でしょう？

ちなみに宇宙で初めて音楽が流されたのは1961年のことで、クラシックの名曲が流されたそうです。

生徒

宇宙だから…ホルストの「惑星」とか？

コギト

実はベートーヴェンの交響曲第6番「田園」だったと言われています。

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宇宙で初めて音楽が流れた瞬間

1961年、ソ連（今のロシア）のユーリイ・ガガーリンという宇宙飛行士が「ボストーク１号」という宇宙船に乗って人類史上初めて地球のまわりを一周しました。

詳しいヤツ

有人で初めて宇宙に行くことに成功した年だね。
ちなみに無人だったらロシアの人工衛星「スプートニク１号」が1957年に史上初めて宇宙空間に到達してる。

中学生

有名なアポロ11号は人類初の月面着陸をした宇宙船で、これは1969年の話。

この初めて有人で宇宙に行くことに成功したボストーク１号に地球から送信されて流れた初めての人類の音楽がベートーヴェンの「田園」だったというわけです。

生徒

田園だったのか…。全然宇宙っぽくない音楽だよね。

コギト

宇宙空間にいる飛行士に地球を懐かしんでもらいたかったのかもね。

宇宙で初めて演奏された楽器は？

生徒

じゃあ宇宙で初めて演奏された楽器とかってあるの？

コギト

ハーモニカと鈴だったと言われています！

初めて音楽が流れたのはソ連（ロシア）の飛行船だったわけですが、楽器が演奏されたのはアメリカの宇宙船でした。

1965年に、アメリカ、NASAのジェミニ6号という宇宙船が地球の周りを巡っていたときのことです。

宇宙飛行士のウォーリー・シラーと、トーマス・スタッフォードが楽器で音楽を演奏しました。

その時の会話は記録に残っているそうです。

宇宙飛行士「こちらジェミニ6号、未確認飛行物体を発見。北極の方角に移動中です。…あ、ソリとトナカイを確認！」
NASA地上管制「ソリとトナカイ？！」
宇宙飛行士「では、音楽をお聞かせします。」

といって二人は宇宙へ持っていった小さなハーモニカと鈴で「ジングルベル」を演奏したそうです。

コギト

ちょうどその頃は12月のクリスマスシーズンだったとか。

真空の空間では音楽は鳴らない

ところで音というのは空気が振動し、それが耳に伝わって音として聴こえます。

詳しいヤツ

そうだよ。だから宇宙では音は聴こえないんだよ。

もちろん宇宙で鳴り響いた「田園」も、演奏した「ジングルベル」も宇宙空間とはいえ、宇宙船の中での話です。

生徒

宇宙船の中なら空気はあるもんね。

皆さんが宇宙へ行ったら聴いてみたい音楽はありますか？

コギト

「音が鳴らない曲がある」んだけど、知ってる？

生徒

えっ、そんな曲あるわけないでしょ？

生徒

っていうか、それって音楽じゃないじゃん！

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ジョン・ケージの「４分３３秒」

アメリカの作曲家ジョン・ケージは「4分33秒」という特別な曲を書きました。

驚くことに、この曲には楽器の音が一切含まれていないんです！

この曲は、1952年アメリカのニューヨークでピアニストのデヴィッド・チューダーによって初めて演奏されました（演奏された、というのか…？）

4分33秒はどうやって演奏される？

この曲は何も演奏しないのですが、ちゃんと楽譜があります（なんと販売もされています）。

ケージ: 4分33秒 (1952オリジナル「時間表記」バージョン)/ペータース社/ニューヨーク/ピアノ・ソロ

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楽譜に書かれているのはこれだけ。

第１楽章・休み
第２楽章・休み
第３楽章・休み

コギト

全体の長さが4分33秒であれば各楽章の長さは自由だそうです

男子

詐欺でしょ、詐欺！笑

上の動画の演奏では、いかにもこれから演奏するような素振りで聴衆の注目を集めておいて、演奏が始まるとピアノの蓋を閉じます。第１楽章が終了すると蓋を開ける、という感じです。

中学生

何を聴かせられてるんだ、俺達は…

4分33秒のさまざまな演奏

この曲はピアノだけでなくどんな楽器で演奏されてもいいことになっています。

この曲のアイデアの面白さから、いろんなバージョンが生まれています。

↓ヴァイオリンコンチェルト版

↓ヘヴィメタル版

なんで4分33秒？この音楽の意味は？

中学生

なぜ5分でも10分でもなく、4分33秒なの？

コギト

諸説あるんです

一説には4分33秒は「絶対零度の音楽」、と言われています。

4分33秒＝273秒。

273という数字で思い出すのは温度で、-273℃というのは「絶対零度」と言われています。

これ以上はどんなものの温度も低くすることはできない、温度の最低の数字なんです。

（温度の）エネルギーがゼロで何もない音楽。

こんなイメージの数字として4分33秒を選んだ、というわけです。

中学生

そもそもこんな曲を作ったり演奏する意味ってあるの？

演奏もしないし、何も聴こえない。こんな曲に意味があるのか？と思ってしまいますよね。

ただ、この4分33秒という曲は演奏はしないのですが、何も聴こえないということはないんです。

実験してみましょう。

コギト

クラスのみんなで30秒間、完全に静かにしてみましょう。耳を澄まして、何も聴こえないか、何が聴こえるか感じてみましょう。

（30秒後）

生徒

教室の外で車が走る音がした！

男子

誰かの呼吸の音も聞こえたよ！

そうです。静かな中でも音っていろんなところから聴こえてきます。

そういった音は「取るに足らない、意味のない音」なのでしょうか？音楽のような美しさは全くないのでしょうか？

ケージが伝えたかったのはこんなことです。

実際にジョン・ケージは「無響室」という全く他の音が聴こえない部屋に入った時にも「２つの音が聴こえる」ことを経験したようで、高い音と低い音の２つだったそうです。
高い音は「神経からくる音」で低い音は「血液が流れる音」だったそう。
絶対になんの音もない状態、というのは作り出せないのですね。

中学生

音楽って楽器の音が鳴ってるものでしょう？

と不思議に思うかもしれません。

しかし、ケージがこの曲で伝えたかったのは、演奏者が静かにしている間に聞こえる「周りの音」も音楽の一部であるということです。

風の音や、教室の外で歩いている人の足音、ふとした瞬間に誰かが動く音。

男子

楽器の音じゃなくてもおもしろい音とか魅力的な音ってあるよね！

そのような普段は聴き過ごされている音が「4分33秒」の音楽になるんです。

コギト

4分33秒は、「人が作ったものではない偶然の音を音楽のように聴くための曲」、といっていいかもしれませんね。

今日の帰り道、どんな音が自分の耳に聴こえてくるか、それを音楽だと思って聴いてみてください。結構面白いですよ。

今回は以上です！

コギト

この世で一番長い曲はどのくらいの長さがあるか知っていますか？

生徒

３時間くらいかな…、もしや10時間もあったりするのかな？

実は世界一長い曲の長さはなんと「1000年」です。

生徒

人の寿命より長いじゃん！なにそれ！

世界一長い曲：「ロングプレイヤー」/ジェム・ファイナー

世界で一番長い曲として知られているのは「ロングプレイヤー」という曲で、演奏時間は1000年です。

え、これって誰も演奏出来ないのでは…、と思われるかもしれませんが、この曲、2000年になった1/1の0:00に演奏が始まり、2999年の12/31に演奏が終了の予定です。

コギト

今も演奏されている途中で、ストリーミング配信を聴くこともできます。

「ロングプレイヤー」の演奏中のライヴ・ストリーミング配信

20分くらいの曲をチベットの鈴（りん）と銅鑼で演奏し、録音します。

この20分の演奏をコンピューターで変化させることで無限のバリエーションができて、1000年の演奏にするとのこと。

曲が終わるのはあと900年以上先ですよ。

コギト

作曲したジェム・ファイナーさんも私達も、曲を最後まで聴くことができなさそうですね…。

世界一短い曲：「You Suffer」/ナパーム・デス

コギト

では世界一短い曲はどのくらいでしょう？

男子

２秒、とか！

おしい。世界一短い曲としてギネスブックに掲載されている曲はデスメタルバンド、ナパーム・デスの「You suffer」（お前は苦しむ）という曲です。

この曲は1.316秒です。聴いてみましょう。

とても聞き取れませんが、歌詞は「You Suffer But Why?」（お前は苦しむ、しかしなぜ？）と歌っているそうです。

1986年に録音されて、アルバム「スカム」に収録されています。

「苦しむことに意味はあるのか？ 何に苦しむために俺たちは作られたのだろうか？」というメッセージが込められている、らしいですよ。

コギト

メッセージを感じる前に曲が終わってしまうという…。

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楽譜はほぼイタリア語で書かれている

楽譜に出てくる、Andanteとかフォルテとか、クレッシェンド、リタルダンド…。

生徒

これって何語？フランス語？かな…。

実は楽譜にかかれている音楽用語のほとんどはイタリア語なんですよ。

現在日本でも聴く音楽のほとんどは西洋（ヨーロッパ）の音楽が基本になっていますが、その西洋の音楽は中世やルネサンスの時代に本拠地がローマにある教会で発展しました。

その後、17世紀頃には楽器だけの器楽曲やオペラのような音楽が、特にイタリアで大きく発展したんです。

音楽の先生

イタリアという国は音楽の中心だったわけですね。

また、中世から楽譜に音楽を記す方法（記譜法）が進化してきて、17世紀には今のような形に近づきました。その結果、イタリア語の音楽用語が世界中で広く使われるようになっていったんです。

楽譜にはイタリア語しかないの？

生徒

イタリア語以外の言葉は楽譜には書いてないの？

日本人作曲家の曲の楽譜には日本語で「おおらかに」とか書かれている、なんていうこともありますよね。

でも基本はイタリア語なので、例えばフォルテなどというみんなが知っている音楽用語を「おおきく」という風にわざわざ日本語で書くことはありません。

次の楽譜はドビュッシーの月の光という曲の最初ですが、最初のテンポを表す指示がイタリア語とフランス語を混ぜて書いてあります。

コギト

「Andante（歩くような速さで）」はイタリア語だけど、「très expressif（とても表情豊かに）」はフランス語ですね。

ppやuna corda というのももちろんイタリア語です。

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聴かれないのが目的の曲なんてある？

今日の「授業で使えるアイスブレークになる小噺」はこちらです。

音楽の先生

聴かれないように作った曲があることを知っていますか？

生徒

えー！音楽って聴くものだよね。

生徒

それってBGMのことじゃない？

そうなんです。今日紹介する曲は今お店やYouTubeで流れたりしているBGMの元祖と言われている曲なんです。

BGMは「バックグラウンドミュージック」と言って、レストランやお店、テレビなどで流れている音楽。

BGMは、食事をしたり・会話をしたり・劇を鑑賞したりする中で後ろに流れている後ろで流れていて、その場を盛り上げたり、気分を良くしたりするもの。別になくても構わない音楽とも言えますね。

エリック・サティの「家具の音楽」

で、BGMの元祖はエリック・サティという人が作った「家具の音楽」というものなんです。

どうしてサティは家具の音楽を思いついて作ったのでしょうか。

作曲したエリック・サティがレストランで友人とお話しながら食事をしていた時に、レストランにいたバンドがとても大きな音で演奏していたため、うるさくてレストランを飛び出してしまったことがありました。

そのころはもちろんCDもYouTubeもなくて音楽は生演奏で聴くのが主流でしたから「音楽はありがたく耳を澄ませて聴くもの」だったと思われます。

でもサティはこの経験から

• 周囲の騒音があってもいい音楽
• 聴く人の感情を無理に盛り上げない音楽
• 意識されずに快適に聴き流せる音楽

を作ろうと思ったのです。

この「家具の音楽」を初めて演奏するときに、サティは演奏される会場でこのように伝えました。

皆さまは音楽に気をとられず、あたかも音楽などは存在しないかのように、休憩時を過ごしていただきたいと思います。

この音楽は、個人的な会話とか、飾り絵とか、皆さまの中でかけておられる方もあれば、かけておられない方もあるロビーの椅子などと同じ程度の役割しか果たしていないのですから。

椅子と同じくらい気にされない音楽、ということで「家具の音楽」という名前なんですね。

大失敗？に終わった「家具の音楽」の初演

でもこの初めての演奏は失敗に終わりました。

なにも上手く演奏できなかったというわけではないんです。

この曲はコンサートの合間の休憩中に「聴かれない音楽」として演奏されることになっていましたが、プログラムにも「この曲は聴かないでください」と書いてあったにも関わらず、お客さんは熱心にその曲を聴きはじめてしまいました。

普通の音楽の演奏と変わりがないことになってしまったのです。

音楽の先生

思い通りにならなかったサティは演奏中に怒って「おしゃべりを続けなさい！」と怒鳴り散らして猛烈な勢いで走りまわったけど効果がなかったんだって。おしまい。

生徒

へぇ〜。

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こんにちは、音楽授業教材研究家のコギトです。

今日は鑑賞の授業で「曲の印象について答えさせること」について考えてみたいと思います。

鑑賞授業では曲の印象について、発言させたり、書かせたりすることが多いのではないでしょうか。

新米先生

学生時代に先生から質問されたこともあるし、教員になってから書かせたこともある…

コギト

曲の印象を答えるのってかなり難しいですよね

音楽は、曲を聴いた時の感覚や印象、感情などによって価値づけされます。

音楽教育の現場ではその印象を生徒が鑑賞授業で受け取る・理解することができているのか、という確認が必要です。

そのため「この曲の印象を書いてみよう」となるわけです。

しかし、「ブラームスの交響曲の１番４楽章の印象や感想を答えてください」と言われても音楽教員である我々でもどう答えるか結構難しいのではないでしょうか。

そもそも１曲の中でも曲想が様々に移り変わっていくし、音楽が言葉で表せ切れるわけはないことははっきりしているし。

新米先生

音楽を真面目に勉強している人ほどこの質問には答えにくいのかも…

鑑賞授業で多くなる、この「曲の印象に対する問いかけについて」今日は考えてみましょう。

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コギト | 音楽教材研究家

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評価をしなければいけない音楽の授業

音楽の先生だって曲の印象を言葉で表すのが難しいことくらいわかっているのだけど、生徒の音楽の学習に対して評価をしなければいけないのが辛いところ。

なにかしら生徒に質問したりして、鑑賞の授業をした時の点数化をしなければいけないわけですよね。

だから曲の印象を答えさせたり書かせたりして、生徒を評価する材料にしようとするわけです。

最終的に音楽の演奏する技術や知識について点数化することはできても、音楽性や演奏についての点数化は基本的にはできないと私は思っています。

教員

音楽コンクールで点数にして順位をつけたり、フィギアスケートの芸術点なんていうのも基本的にはちょっと変なことだよね…

よって音楽の授業の評価も、

• 作曲家の名前を知っているか
• 演奏技術がどのくらい身についたか

ということは評価できても、

• 演奏の音楽性に点数をつける
• 鑑賞の感想文などの記入を採点する

などの音楽性の理解や成長という点については評価・点数化することは無理があると思っています。

コギト

とはいえ評価はしなければいけないので、現実的なラインで定量化できるものだけで評価はするようにしますけど…

音楽の授業に関する学習評価というものについて私は懐疑的ですし、はなからちゃんとできると思わずにやっています。

コギト

評価しなければいけない場面では「あくまで私個人の評価だから」と念押ししたりします。

問題なのはこのような場面で強引に音楽性の評価を点数化しようとしてしまうと、本来答えのない音楽の世界に答えを捏造してしまうこと。

そうすると、「ベートーヴェンの交響曲第５番の冒頭の動機は何を表現していますか」という採点のしようがないテスト問題が生まれたりします。それに対する答えはないのです。

そしてそのようなテスト問題などに接することで音楽の解釈には何かしらの正解があると誤解して生徒は本来の音楽の価値がわからなくなっていく、ということがあるのではないでしょうか。

どうやって曲の印象について質問する？

音楽の先生

音楽聴いて何を感じるかは自由だから、聴かせるだけでいいよね〜

音楽は言葉で言い表せないからといって、ただ聴かせるだけでは鑑賞の授業が成立しません。

ここで言いたいのは、「安易に曲の印象を生徒に答えさせるのはあまり意味がない」ということであって、鑑賞授業をやるのは意味がないということではないです。

曲の印象を答えさせるのならもっと注意深くなる必要があるので、ここではそのアイデアとして２つ挙げてみました。

音の要素を根拠として答えさせる

ある曲の印象を答えさせたとして、しっかりと「なぜそう感じたのか」を鳴っている音を根拠としてセットで答えさせることが有効です。

を語らせることで、答えに論理性と説得力が生まれます。

中学生

曲の最後の部分で金管楽器の高い音がなったり、リズムが細かくなったりしたので、嬉しくなっていると感じました。

みたいな感じです。

「なんでそう感じたの？」というのは私もよく使う質問フレーズです。

コギト

音楽を言葉で表現は100＆できないものの、言葉で整理してみようとすることは大事だと思っています。

小学校低学年では音の根拠を付けて印象を答えるというのは難しいので、先生のほうで注目させる部分を示したり、「ここで高い音があるとどんな風に感じるかなー」と噛み砕いた質問をする必要がありますね。

短い部分を切り出して質問する

ブラームスの交響曲１番の第４楽章を鑑賞教材で扱っていたとして、曲の印象について発問する場合を考えてみましょう。

冒頭と最後とではまったく意見が異なりそうですね。

例えば最初の10秒程度だけを聴かせて「この部分だけを７文字以内でタイトルをつけるとしたら？」と質問してみるとどうでしょう？

これなら結構曲の印象を答えるのにハードルが下がると思いませんか？

クイズ番組みたいにして紙に書いたり、ICT端末から付箋ツールで一斉に提出とかしても面白いかも。

• 「悲痛」
• 「沈んでいく」
• 「ショックとため息」

などの答えが挙がりそうです。先ほど説明した考えた根拠もある一部分の話しなら答えやすいですよね。

中学生

最初大きな音がしたので何かの事件でショック受けて、それに落胆してはぁ〜っていうのがその後小さくなっていく音で表されていると思う。

みたいな感じです。

またいくら音楽に答えはないと言ってもブラームスのこの曲の冒頭に「陽気な子ども」みたいな印象を答えるなら（さすがにいないと思う）それはちょっと的外れであるとわかります。

新米先生

正解はないけど、なんでも良いわけでもないもんね…

クラシックの曲の場合は特に対比的な部分も多く曲想の移り変わりがあるので、曲全体についての発言は難しくなります。

一部分に話しを絞って議論するのが良いですね。

鑑賞の授業の発問は慎重に

鑑賞授業では、プリントの最後や鑑賞カードなどに「この曲を聴いた感想を自由に書きましょう」と自由筆記欄を設けることも結構多いです。

それ自体は特に否定することもないのですが、例えばそこに書いたことを評価として使うのであればもっと注意が必要です。

少なくとも「この曲の鑑賞で学んだことを具体的な音の要素をあげながらまとめましょう」くらいの質問の仕方は必要ではないでしょうか。

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中学生

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新米先生

音楽教員はオーディオとか楽器とか使うから準備・片付けが大変…

音楽の授業は以下のような点で運営が大変な教科と言えます。

これに手間がかかって授業開始が5分遅れたり、片付けしてたらもう次の授業が迫っていたりしてしまいます。

コギト

指導以外の部分での授業運営を効率化したり時短したりすることはマスト。

「同じことするならなるべく楽に」というのは現役時代の私のモットーであり、仕事全般にも言える大原則かと思います。

男子

苦労しなきゃ成功できないっていうのは古い考え方だもんな！（達観）

今年から先生になられた方や、自分の時間を効率的に使いたい先生は是非今回の記事を読み、なるべく楽に音楽授業を運営することをおすすめします。

そうすることで指導にかけられる時間や力も増えて教育の質もあがることでしょう！

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自分の手を極力動かさないように仕組み化する

音楽の授業は他の教科と比べて準備や片付けなどの手間が多い教科です。

そんな中、授業以外の「自分でなくてもできる仕事」はなるべく自分でやらないようにする（他の人にしてもらう）というのが一番効果的な方法です。

コギト

生徒ができることはすべて生徒にやってもらい、授業運営に参画させましょう。

新米先生

そんなことすると生徒に悪いのでは…？

以下のようなことは生徒にやらせてはいけません。

逆にそれ以外であれば、生徒が行う活動である音楽授業の準備や片付けなどは「自分たちが行うこと」であるので、むしろできるだけやらせた方が自主性が高まるというもの（そして先生は楽）。

コギト

やらせた方が生き生きする生徒もいるので、そういう子を中心に巻き込んでいくといいですね。

音楽の授業運営を楽にするウラ技5つ

私がやっていたウラ技（といえる程でもない）は以下のようなものでした。

持ち物を固定しておく

授業に持ってくる持ち物は以下のように決めて年度初めに「何があっても絶対持ってきなさい」と指示します。

• 教科書
• 筆記用具
• リコーダー

コギト

使わなくても絶対に持ってくるようにしておくのがポイント。

音楽室への移動を伴った音楽の授業では持ち物の連絡を忘れると大変。やりたかった授業ができずに後回しになったりもします。

生徒

最近は鑑賞やってたんでリコーダーはいらないと思っていました！

など勝手に判断する生徒もいたりします（やめてくれ）。

こういう事があるとその日の授業がどんどんグチャついてきます。

またリコーダーを使う予定でなかったとしても急に予定が変わったり、パッと思いついて使いたい場面があったりする場合もあります。

こういう感じで持ち物関係トラブルを最小限にするために「持ち物を固定化」しておくのです。

音楽の先生

確かに、固定化しておけば、その他の追加の持ち物がある時だけ連絡すればいいもんね。

毎回の授業で「リコーダーはいる」「リコーダーはいらない」などと指示を出すのは面倒なので止めましょう。

生徒

次の音楽の授業はリコーダーいるのー？

などいちいち質問してくる生徒もいますが、「どういう決まりだっけ？」と決まりに従うように促すようにしてルールを徹底させます。

貸出楽器の指定席を決めてナンバリング

貸出用の楽器（ギターや箏など）は、しっかり指定席を作ると準備・片付けが楽になります。

10台楽器があるとしたら、それぞれに「１，２、３」とシールを貼っておくなどしてナンバリングし、それに対応した棚の置き場所にも番号を貼っておきます。

教員

1番のギターには1番の場所に置く、みたいな感じですね。

このような運用にすると、生徒が片付ける時に雑になることも少ないですし、「○番のギターがない」とすぐにわかったりしますので管理が楽になります。

器楽の初回授業前に貸出楽器を整備しておき、器楽の授業の最初にルールを生徒に伝えられるようにしておきましょう。

楽器に貼ったナンバーが必ず見えるようにしまうことや、ケースへのしまいかたなど、自分が後からなるべく手間がないような方法で管理させるのが大事です。

コギト

最初の数回は厳しく見張って伝えたことを定着させるのがミソ。先生のチェックや手入れがなくなるくらいまで徹底させます。定着すれば楽になります。

音楽の係がいるなら、その子に管理の管理をやらせて、チェックをさせて報告に来させる、というのも一案ですね。

当番を決めて黒板消しや窓閉め、配付をさせる

授業が終わったら黒板を消したり、昼休み前や一日の最後の授業では窓を閉める必要があります。これも音楽の先生でなければできないことではありませんので生徒にやらせるようにします。

授業したクラスの日直は授業後必ず黒板と窓閉めをする、というルールにしておくと、これが自動になります。

新米先生

毎回指示しなくてもいいように仕組み化しておくのが大事…。

コギト

日直だと忘れ安いので音楽係をつくってもいいかと思います。

常時活動は生徒に仕切らせる

例えば授業の最初は「今月の鑑賞曲」や「今月の歌」を歌うことになっていたとします（常時活動といいます）。

その場合、指導は生徒にはできませんが、それに関わってラジカセを出すとか、歌詞カードを配るなどの準備を生徒が自分たちでできるようにしておく環境にしておくと楽になります。

音楽の先生

その間に先生は自分の授業準備できるもんね。

授業の最初の何分かは合唱のパート練習をする、という場合もあると思います。その場合はパートリーダーを決めて、パート練習や発声練習を仕切らせるのもありですね。

新米先生

私の中学時代、そうだったかも…

↓常時活動については以下の記事を参考にしてください
【音楽授業のコツ】常時活動をつくれば楽しい授業ができる！

教材準備はアシスタントさんにお願いする

ワークシートを印刷したり、「楽器をつくろう！」などのような単元の場合は教材を自作・準備したりする必要があります。

最近は業務サポーターさんという存在がいる学校も増えていると思うので、プリントの印刷やクラスごとの仕分けなど、できることはお願いするのが良いです。

自分も業務サポーターさんにかなり仕事をお願いしていましたので、その依頼すら半自動化していました。

1学年分の鑑賞授業のプリントが出来上がったら「1組は○枚、2組は○枚」みたいにプリントを印刷、仕分けしてもらいますが、その指示をサポーターさんに口頭でせずに紙に書いておき、仕事が終わったらその指示書も返してもらうようにします。

そうすれば２回目からはその紙と出来上がったプリント１枚をサポーターさんに渡すだけ。「前と同じ感じでお願いしまーす」というだけでプリントが全クラス分出来上がってくる、というわけです。

コギト

「予備を何枚」「指導用に１枚」「穴を開けて下さい」なども全部指示書に書いておけばやってもらえます。

業務サポーター様さまですね。

コギト

いない学校は…、ホントお疲れ様です

まとめ　「指示がなくても毎回自動で」を作っていく

新米先生

毎回自分が指示を出さないとやらないシステムだと、忘れちゃったらおしまい…。

片付けや椅子を入れるなどの行動は毎回自分が指示を出す感じだと、指示を忘れた時に全部自分でやらなければいけなくなり大変になります。

そういうことがないように、授業で毎回行う行動とセットにして組み込んでしまうのがおすすめです。

たとえば授業終わりにイスを机に入れて整頓させてから帰らせたいのであれば、最後の挨拶のときの号令を以下のように決めます。

生徒

起立・イスを整頓してください（終わるまで待つ）・気をつけ・礼

毎回必ず行われる「号令」に「イスの整頓」をセットで組み込んでしまうワザです。

音楽の先生

これなら自分が指示忘れるというエラーもなくなる。

以上紹介してきた授業を楽にするワザは最初仕込むまでが大変だったりしますが、だんだん楽になってきて、2学期くらいからは格段に楽になって効果を実感するはず。

コギト

休み時間などに時間の余裕ができるようになるので是非やってみてくださいね！

↓道具を使って時短もできます。教員＆音楽授業に便利なグッズ集めてます↓

今回は以上です！

この記事では「アルルの女第二組曲」について解説しています。

この組曲は特にアルルの女という話自体を知っていなくても鑑賞できる名曲ですが、知っているとより鑑賞ももっと深いものになりそう。

【「アルルの女」原作を読む】
アルルの女の原作を読んでみました。６ページ程度の短編で、話の顛末というより、どうしても忘れられない女を思って絶望する気持ちとかそれを傍で見る母の苦悩を想像させるような作品でした。
読後に第二組曲聴いてみると最初の弦のユニゾンもやたら重く聴こえるような… pic.twitter.com/npbu2gPnE3

— コギト音楽の教材研究家 (@COGITOmusic) March 6, 2024

「アルルの女」の音楽はもともと劇に付随した音楽でビゼーによって作曲されています。

コギト

「アルルの女組曲」には第一組曲と第二組曲があります。

オペラやバレエから作られるタイプの組曲はもとの音楽にある魅力的な曲やエッセンスを盛り込んで、抜粋したりコンパクトにしたりして何曲かセットで演奏するもの。

しかし今回紹介する「アルルの女第二組曲」の編集にはギローというビゼーの友人作曲家が大きく関与していて、たんなる抜粋ではなく、新しい要素が取り入れられたり、アルルの女とは全く関係のない曲まで取り入れられたりしています。

この記事で得られる情報を知っておくと理解が深まり、曲を鑑賞する時の印象も少し変わると思いますのでぜひサクッと読んでみてくださいね。

第二組曲の各曲もこの記事内で聴くことができますので、鑑賞しながらどうぞ。

↓アルルの女の「メヌエット」と「ファランドール」の鑑賞授業用教材がダウンロードできます
【わかりやすい！】アルルの女（メヌエット・ファランドール）鑑賞授業ネタ

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アルルってなに？

アルルとはフランス南部のプロヴァンス地方に位置する歴史的都市。（Google mapで位置を確認）

音楽の先生

円形闘技場があったり、ゴッホの絵画で有名ですね。

ここを舞台にした男女による三角関係の物語が「アルルの女」というお話になります。

アルルの女ってどんな物語なの？

「アルルの女」は元々アルフォンス・ドーデ（Daudet Alphonse）が1869年に出版した短編であり、それがのちに戯曲（劇の台本）化されました。ビゼーのアルルの女とは元々この戯曲に音楽をつけたもの。

コギト

アルルの女の主な登場人物は以下です。

フレデリはアルルの女に恋をして食事も喉を通らないほど。アルルの女は自由奔放でよその土地の女ということもあり、家族はアルルの女と結婚することに賛成しませんが、母はフレデリがどうにかなってしまうのではないかと気が気でなく結婚を許そうとします。

しかしアルルの女が誰かの情婦であることを知って落ち込み、フレデリは一旦アルルの女を諦めます。

母のすすめに従って幼なじみのヴィヴェットと結婚することになり、フレデリはアルルの女を忘れ気丈に振る舞おうとしますが、やはり忘れられず泣きくらしたり逆に快活になったりと不安定におちいります。

ヴィヴェットとの結婚式かつエロアの祭日の日、（フレデリ家の？）馬の番人の男がアルルの女と今晩駆け落ちすると告げるのを聞くことで錯乱し、最終的には家の屋根裏から身を投じて命を断ってしまいます。

コギト

こんなお話です。ちなみにアルルの女自体は話に一度も登場しません。

※ドーデによる原作では冒頭で主人公（原作ではフレデリでなくジャン）が自殺して父がおかしくなってしまった様子が描かれるところから始まり、そこを通りかかった人が一家の使用人に理由を聞くという場面から始まります。

物語の展開というより、主人公やその周りの人たちの感情を読み手に想像させるような作品になっています。６ページ程度の短編で読みやすいのでぜひ読んでみてください。

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アルルの女第二組曲はギローが書いた？

「アルルの女第二組曲」はビゼーの死後４年経った後にビゼーの友人である作曲家のエルネスト・ギローによって作られています。

コギト

ビゼーの作った劇音楽はどれも短めだったのでそのままだと組曲にはできなかったみたい

ギローは名著といわれる管弦楽法の著書があるくらいオーケストラの作曲法の名手であり、劇音楽の中の断片を繋ぎ合わせたり、他の歌劇から旋律の転用をしたりしながら、ビゼーの作品に近いオーケストレーションをしてこの「第二組曲」を完成させました。

生徒

シンガーソングライターがビゼーでアレンジしてちゃんとした曲として完成させるのはギロー、って感じかな。

楽譜にはどこにもギローの名前はなく、あくまで「作曲：ビゼー」となっていますが、第二組曲の完成はギローの腕前なくしてはなかったと言えるでしょう。

「アルルの女第二組曲」の各曲はどの場面？

さて、アルルの女の第二組曲の各曲は、上で解説したアルルの女のお話のどの場面の音楽が使われているのでしょうか？

ここであらすじの復習がてら、原作をもとに作られた戯曲（劇の台本）の場面構成を見てみましょう。ビゼーの「アルルの女」の音楽はこの戯曲につけられています。

以上の５つの場面で構成されています。

コギト

ではこの物語のどこに組曲の各曲があてはまるのか見てみましょう。

第1曲：パストラール

パストラールは「アルルの女」の第二幕の前奏曲から取られ、原曲は105小節まで（動画では4:28の部分）で、105〜129小節ギローがそれを拡大して編集し、組曲の第一曲として仕上げています。

長く伸びる音や木管楽器やホルンなど田園風景を連想させる楽器使いが特徴で「パストラール（牧歌的音楽）」という名前が付いています。

第二幕というのはアルルの女をあきらめたフレデリが誰にも会おうとしなくなったところから始まります。フレデリが死んでしまうのではと危惧してアルルの女との結婚を許そうとする母をよそにフレデリは幼なじみのヴィヴェットと結婚すると言う、というのが第二幕です。

生徒

なんか想像してた平和な感じとは違う…

コギト

田園風景とはいえ、その田園で繰り広げられる暗い状況を想像すると単なる牧歌的音楽としてビゼーが作曲したかというとそうでもなさそうですよね。

第2曲：間奏曲

間奏曲は劇中では第二幕の１場と２場を繋ぐ間奏曲として作曲されたもので、原曲がそのまま使われています。

冒頭の悲劇的な旋律、中間部の憧れと寂漠を表現するサクソフォンの旋律、うっとりと幕を閉じるかと思いきや決然とした強奏でしめくくるこの色々な感情をたゆたうような曲。

フレデリの希望と絶望を絶えず思い描く心の内やそれを心配する母の心情の移り変わりを克明に表現しているようでもあります。

コギト

展開が読めないというか不思議な進み方をする曲と私は感じます。

第3曲：メヌエット

実はこの３曲目のメヌエットはアルルの女組曲の中でも最も有名でありながら「アルルの女」の戯曲に対して書かれた曲ではなく、ビゼーのオペラ「愛らしきペルトの娘」から取ってきたもの。

生徒

アルルの女とは全然関係ないんですね！

この組曲を編纂したギローが「この組曲のまとまりにはこの曲が良い」という独断と偏見のもと採用したと考えられます。

終盤のフルートとサクソフォンのカノン（追いかけっこ）的な旋律まわしもギローが考えたものです。

第4曲：ファランドール

堂々・嬉々としたような最後の曲ファランドールのオーケストラ編曲はほとんどギローによってなされたようです。

この曲の第一の旋律はプロヴァンス民謡「王様たちの行進（Marche des Rois）」から取られています。

この「王様たちの行進」の音楽はアルルの女の劇音楽の中で、第３幕第２場の養蚕室で登場します。息子を心配する母をよそに外では耕作を祝う百姓の祭りの合唱が聞こえてきます。その合唱の旋律がこの「王様たちの行進」の旋律です。

また、以下の第二の旋律はドラムのリズムを伴って現れます。

タンブーランという長太鼓とフルートによって演奏される速い踊りが「ファランドール」というプロヴァンスの祭りの踊りの音楽の特徴で、この曲がファランドールと題されるのはこの第２の旋律とリズムによってといえます。

この第二の旋律が登場するのは第３幕第１場で、祭日であり結婚式であるその日、馬の番人が「アルルの女と今晩かけおちする」と告げるのを聴いたフレデリは恋敵が誰であるかを知りワナワナと気持ちが高まり焦燥していきます。そのフレデリの高まりと相まって背景で歌い踊られているファランドールの音楽、という設定です。

生徒

周りの人たちが楽しく踊っている祭りの音楽がフレデリにとっては狂気の音楽になっていったっていう…。

まとめ 「アルルの女」の物語を知れば印象も変わる？

壮大に聴こえる「パストラール」、曲想がさまざまに移り変わる「間奏曲」、絢爛で血が湧き肉躍る「ファランドール」。

曲だけでも十分に鑑賞できる（から組曲になっているわけですが）「アルルの女第二組曲」。アルルの女という物語について知ってみると、それぞれの曲がまた違った印象を持って聴こえてくるから不思議。

ファランドールはお祭りの音楽でありながら、フレデリの精神錯乱していく焦燥の音楽でもあったわけですね。

コギト

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今回は以上です！

この記事では組曲「惑星」の各曲を譜例付きで紹介していきます。

コギト

自分が出している「惑星」の音楽授業用鑑賞教材から図解や譜例などを抜粋して、わかりやすく解説します！

組曲「惑星」といえば「木星」の中間部の旋律がとても有名です。

様々なアーティストがこの部分をカヴァーしているためあまりにも「木星」が有名ですが、それ以外の曲も全曲が名曲なのがこの組曲です。木星だけ聴くのはもったいないです。音楽の授業でも是非木星だけとは言わず全曲扱うと面白いです。

コギト

それぞれの曲のキャラが立っているので、曲当てクイズなんかにすると面白かったりします。

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「惑星」はどんな組曲？

「惑星」はイギリス生まれの作曲家グスターヴ・ホルストによって1914-1916年にかけて作曲されました。

ホルスト自身が占星術に興味を持っていたことから、惑星そのものではなく、惑星に割り当てられた神々をイメージして曲が作られています。

初演当時はあまりにもアバンギャルドな響きやリズムであったため、全曲演奏をあきらめたほどだったといいます。

また、ティンパニ６台、女性合唱まで必要とするなど編成が巨大なため、なかなか全曲演奏されず、火星や木星のみが演奏されるのが多いです（以下のツイートでベートーヴェン「運命」と楽器編成を比較しています）。

組曲「惑星」の鑑賞授業のスライドから。楽器編成がかなり大きいことをアニメーション図解。 pic.twitter.com/xUerUdp3RW

— コギト音楽の教材研究家 (@COGITOmusic) October 27, 2023

組曲「惑星」の各曲の解説

コギト

それではここから「惑星」の各曲を解説していきます！

①火星：戦争の神 マーズ（Mars）

組曲「惑星」の最初を飾るのは火星です。

いきなり弦楽器の特殊奏法である「コルレーニョ奏法」で始まります。

コルレーニョとはイタリア語で「木で」という意味で、弦楽器を演奏する弓の毛の部分ではなく、それを支える木の部分で弦を叩いて演奏する方法になります。（以下の動画がわかりやすいです）

雑音が入ってガチャガチャとして音色になり、兵士たちが歩く際の甲冑のカチャカチャ擦れる音を思い起こさせます。

また、この曲の拍子も特殊で、普段使われない５拍子になっています。

新米先生

そりゃまあ当時の人はおったまげただろうね…

このリズムがpp（ピアニッシモ）から始まってだんだんと盛り上がっていき、最後にはfff（フォルテッシッシモ）にまでなります。

コギト

軍隊が遠くから迫ってきているような効果があります。

また、テーマにも半音が多用されて不気味さを演出しているのもポイント。

最後は不協和音によるffff（フォルテッシッシッシモ）のしつこい強奏で曲を閉じます。あまりにこの和音がしつこいので敵をこれでもかとめった斬りしてトドメを刺しているように聴こえます。

②金星：平和の神 ヴィーナス（Venus）

金星は平和の神ヴィーナスが象徴とされています。

火星の戦争と真逆の性格を持った神であり、曲想も対照的です。組曲における１曲目と２曲目の大幅なコントラストがねらいだったと考えられます。

また、楽器編成においても１曲目の火星とは変化を持たせていて、勇ましい金管楽器が活躍した火星と対照的に金星の曲では木管楽器が主で音楽が進行します（金管楽器は登場しません）。

もっとも美しく感じられるのは中間のヴァイオリンのソロで、女神様の歌のようです。

③水星：翼のある使者 マーキュリー（Mercury）

水星は「翼のある使者」。あちこち自由に飛び回る躍動的な様子が、テンポの速いアルペジオで表現されています。

コギト

大空を飛んでいるような弦楽器の旋律も印象的ですね。

④木星：快楽の神 ジュピター（Jupiter）

木星は「快楽の神」。祝祭的な雰囲気のするこの組曲のハイライトです。

神話において、ジュピター（またはギリシャ神話のゼウス）はオリンポスの主神として、他の神々を束ね、祭りや慶事の神とも見なされていました。

彼の治世は、平和と繁栄がもたらされ、豊かな収穫や人々の幸福が約束される”黄金時代”と考えられていたこともあります。

ジュピターはまた、人々の生活に喜びと繁栄をもたらす象徴でもありました。

音楽の先生

それでこんな華やかな音楽になっているわけですね。

木星は冒頭からワクワクするような曲想で、今から収穫祭のような祭りが始まるような雰囲気が表現されています。

「惑星」７曲のうちの４曲目で組曲としても頂点をむかえる位置付けのこの曲には次々と旋律が移り変わっていき、まさに音楽的にも絢爛豪華です。

そしてこれ以外にもなんといっても有名な中間部の感動的な旋律があります。

コギト

この曲で組曲終わってもいいくらいの充実した曲です。

⑤土星：老いをもたらすもの サタン（Saturn）

土星は「老いをもたらすもの」。あてがわれているのはサタンです。

教員

ホルストがこの組曲で一番好きだったのがこの曲だったってことだけど。

「老い」の表現として以下のような音楽的特徴が見て取れます。

コギト

なぜホルストがこんな地味な曲を好きだったのかと最初疑問でしたが、最後は人生の夕暮れか何かを思い起こさせるしみじみした名曲だと自分も歳を重ねて感じるようになりました（ホルストがこの組曲を書いたのは40代です）。

⑥天王星：魔術師 ウラヌス（Uranus）

天王星は「魔術師」。ウラヌスという神が割り当てられています。

以下のようなリズムが特徴的です。

おや、このリズムと曲想はどこかで…と思われる方も多いと思いますが、デュカスの「魔法使いの弟子」（ディズニーの「ファンタジア」に出てくる曲）にすごくよく似ています。

「魔法使いの弟子」と「魔術師」とで同じリズムであるこれら二つ曲。どちらかが真似たのかと思って少し調べてみましたが、そのようなエピソードは確認できませんでした。

コギト

作曲年でいうと、「魔法使いの弟子」は1897年、惑星は1914-1916年ですから、真似たとすればホルストの方なんでしょうが…

ちょっと不思議な響きがする「全音音階」を旋律に取り入れているのもこの曲によくマッチしていますね。

⑦海王星：神秘の神 ネプチューン（Neptune）

曲の最後は海王星。神秘の神ネプチューンです。

なんとこの曲にだけ女性合唱が登場します。

新米先生

演奏コスト考えたらやりたくない曲…

女性合唱はこの曲しか出番がないばかりか「遠くから聴こえてくる」効果を出すためにステージ裏で歌わされます。

楽譜にもホルスト自身によってこのような指示があります。

“コーラスは隣接する部屋に置かれ、そのドアは作品の最後の小節まで開いたままにされ、ゆっくりと静かに閉じられる”

曲の最後の小節は聴こえなくなるまで繰り返されます。

この小節を、音が遠くの彼方に消えるまで繰り返す。

曲の起伏は少なく、最後まで抑制された、文字通り神秘的な曲となっています。

ホルスト「惑星」は組曲の代表曲

音楽の先生

楽器の編成や凝った音楽作りを見るだけでもホルストの曲作りへの熱の入れようや野心がよく感じ取れますね！

組曲の各曲それぞれがキャラクターがはっきりしていて「次はどんな曲？」とワクワクしながら聴くことができる「惑星」は組曲の傑作と言っていいでしょう。

「惑星」の全曲を今まで聴いたことがなかったみなさんもこれを機に是非鑑賞してみてください。

コギト

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惑星を聴かせるなら「木星」だけではもったいない。キャラが立った「惑星」の各曲を聴かせることで飽きずに授業ができます！

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今回は以上です！