コギト

カスタネットはどうやって演奏しますか？

男子

こうやって叩く！

コギト

じゃあヴァイオリンは？

生徒

えーっと、こうやって指で弦を押さえて…

では、触らないで演奏する楽器があるのを知っていますか？

生徒

え〜！そんなのどうやって音がでるの！

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コギト | 音楽教材研究家

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触らないで演奏する楽器「テルミン」

触らないで演奏できるこの楽器の名前は「テルミン」といいます。

コギト

宇宙っぽい音がするでしょう？

テルミンは1920年にロシアの発明家レフ・テルミンさんによって発明されました。

手を空中で動かすだけで音がなります。まるで魔法のよう。

生徒

なんで触ってないのに音が鳴るの？

このアンテナから高周波が出ていて、手を近づけたり遠ざけたりすると、演奏者が持っている静電気によって高周波が変化して音が変わります。

コギト

横に伸びたボリュームアンテナに手を近づけると音が小さくなる仕組み。

テルミンを使った名曲

↓よく聞くのはサン=サーンスの「白鳥」を演奏したものです。

↓不思議な音色が特徴なので、SF映画やサイコスリラー映画でも使われています。

↓ビーチボーイズの「グッドバイブレーション」にも使われているとは。こちらはちょっと間抜けな効果音みたいに使われていますね。

実は演奏はとても難しいテルミン

男子

俺もテルミン弾いてみたい！

実はテルミンを演奏するのは結構難しいみたい。

演奏者の体格や、演奏する場所での静電容量など、いろいろな状況・環境に音が左右されるらしい。

コギト

演奏前のチューニングはかなり大変みたいですよ。

価格は5万円〜10万円くらいなので楽器としては比較的安いですけどね。

コギト

ででんっ。宇宙で初めて流れた曲は何でしょう？

ちなみに宇宙で初めて音楽が流されたのは1961年のことで、クラシックの名曲が流されたそうです。

生徒

宇宙だから…ホルストの「惑星」とか？

コギト

実はベートーヴェンの交響曲第6番「田園」だったと言われています。

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宇宙で初めて音楽が流れた瞬間

1961年、ソ連（今のロシア）のユーリイ・ガガーリンという宇宙飛行士が「ボストーク１号」という宇宙船に乗って人類史上初めて地球のまわりを一周しました。

詳しいヤツ

有人で初めて宇宙に行くことに成功した年だね。
ちなみに無人だったらロシアの人工衛星「スプートニク１号」が1957年に史上初めて宇宙空間に到達してる。

中学生

有名なアポロ11号は人類初の月面着陸をした宇宙船で、これは1969年の話。

この初めて有人で宇宙に行くことに成功したボストーク１号に地球から送信されて流れた初めての人類の音楽がベートーヴェンの「田園」だったというわけです。

生徒

田園だったのか…。全然宇宙っぽくない音楽だよね。

コギト

宇宙空間にいる飛行士に地球を懐かしんでもらいたかったのかもね。

宇宙で初めて演奏された楽器は？

生徒

じゃあ宇宙で初めて演奏された楽器とかってあるの？

コギト

ハーモニカと鈴だったと言われています！

初めて音楽が流れたのはソ連（ロシア）の飛行船だったわけですが、楽器が演奏されたのはアメリカの宇宙船でした。

1965年に、アメリカ、NASAのジェミニ6号という宇宙船が地球の周りを巡っていたときのことです。

宇宙飛行士のウォーリー・シラーと、トーマス・スタッフォードが楽器で音楽を演奏しました。

その時の会話は記録に残っているそうです。

宇宙飛行士「こちらジェミニ6号、未確認飛行物体を発見。北極の方角に移動中です。…あ、ソリとトナカイを確認！」
NASA地上管制「ソリとトナカイ？！」
宇宙飛行士「では、音楽をお聞かせします。」

といって二人は宇宙へ持っていった小さなハーモニカと鈴で「ジングルベル」を演奏したそうです。

コギト

ちょうどその頃は12月のクリスマスシーズンだったとか。

真空の空間では音楽は鳴らない

ところで音というのは空気が振動し、それが耳に伝わって音として聴こえます。

詳しいヤツ

そうだよ。だから宇宙では音は聴こえないんだよ。

もちろん宇宙で鳴り響いた「田園」も、演奏した「ジングルベル」も宇宙空間とはいえ、宇宙船の中での話です。

生徒

宇宙船の中なら空気はあるもんね。

皆さんが宇宙へ行ったら聴いてみたい音楽はありますか？

コギト

「音が鳴らない曲がある」んだけど、知ってる？

生徒

えっ、そんな曲あるわけないでしょ？

生徒

っていうか、それって音楽じゃないじゃん！

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ジョン・ケージの「４分３３秒」

アメリカの作曲家ジョン・ケージは「4分33秒」という特別な曲を書きました。

驚くことに、この曲には楽器の音が一切含まれていないんです！

この曲は、1952年アメリカのニューヨークでピアニストのデヴィッド・チューダーによって初めて演奏されました（演奏された、というのか…？）

4分33秒はどうやって演奏される？

この曲は何も演奏しないのですが、ちゃんと楽譜があります（なんと販売もされています）。

ケージ: 4分33秒 (1952オリジナル「時間表記」バージョン)/ペータース社/ニューヨーク/ピアノ・ソロ

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楽譜に書かれているのはこれだけ。

第１楽章・休み
第２楽章・休み
第３楽章・休み

コギト

全体の長さが4分33秒であれば各楽章の長さは自由だそうです

男子

詐欺でしょ、詐欺！笑

上の動画の演奏では、いかにもこれから演奏するような素振りで聴衆の注目を集めておいて、演奏が始まるとピアノの蓋を閉じます。第１楽章が終了すると蓋を開ける、という感じです。

中学生

何を聴かせられてるんだ、俺達は…

4分33秒のさまざまな演奏

この曲はピアノだけでなくどんな楽器で演奏されてもいいことになっています。

この曲のアイデアの面白さから、いろんなバージョンが生まれています。

↓ヴァイオリンコンチェルト版

↓ヘヴィメタル版

なんで4分33秒？この音楽の意味は？

中学生

なぜ5分でも10分でもなく、4分33秒なの？

コギト

諸説あるんです

一説には4分33秒は「絶対零度の音楽」、と言われています。

4分33秒＝273秒。

273という数字で思い出すのは温度で、-273℃というのは「絶対零度」と言われています。

これ以上はどんなものの温度も低くすることはできない、温度の最低の数字なんです。

（温度の）エネルギーがゼロで何もない音楽。

こんなイメージの数字として4分33秒を選んだ、というわけです。

中学生

そもそもこんな曲を作ったり演奏する意味ってあるの？

演奏もしないし、何も聴こえない。こんな曲に意味があるのか？と思ってしまいますよね。

ただ、この4分33秒という曲は演奏はしないのですが、何も聴こえないということはないんです。

実験してみましょう。

コギト

クラスのみんなで30秒間、完全に静かにしてみましょう。耳を澄まして、何も聴こえないか、何が聴こえるか感じてみましょう。

（30秒後）

生徒

教室の外で車が走る音がした！

男子

誰かの呼吸の音も聞こえたよ！

そうです。静かな中でも音っていろんなところから聴こえてきます。

そういった音は「取るに足らない、意味のない音」なのでしょうか？音楽のような美しさは全くないのでしょうか？

ケージが伝えたかったのはこんなことです。

実際にジョン・ケージは「無響室」という全く他の音が聴こえない部屋に入った時にも「２つの音が聴こえる」ことを経験したようで、高い音と低い音の２つだったそうです。
高い音は「神経からくる音」で低い音は「血液が流れる音」だったそう。
絶対になんの音もない状態、というのは作り出せないのですね。

中学生

音楽って楽器の音が鳴ってるものでしょう？

と不思議に思うかもしれません。

しかし、ケージがこの曲で伝えたかったのは、演奏者が静かにしている間に聞こえる「周りの音」も音楽の一部であるということです。

風の音や、教室の外で歩いている人の足音、ふとした瞬間に誰かが動く音。

男子

楽器の音じゃなくてもおもしろい音とか魅力的な音ってあるよね！

そのような普段は聴き過ごされている音が「4分33秒」の音楽になるんです。

コギト

4分33秒は、「人が作ったものではない偶然の音を音楽のように聴くための曲」、といっていいかもしれませんね。

今日の帰り道、どんな音が自分の耳に聴こえてくるか、それを音楽だと思って聴いてみてください。結構面白いですよ。

今回は以上です！

コギト

この世で一番長い曲はどのくらいの長さがあるか知っていますか？

生徒

３時間くらいかな…、もしや10時間もあったりするのかな？

実は世界一長い曲の長さはなんと「1000年」です。

生徒

人の寿命より長いじゃん！なにそれ！

世界一長い曲：「ロングプレイヤー」/ジェム・ファイナー

世界で一番長い曲として知られているのは「ロングプレイヤー」という曲で、演奏時間は1000年です。

え、これって誰も演奏出来ないのでは…、と思われるかもしれませんが、この曲、2000年になった1/1の0:00に演奏が始まり、2999年の12/31に演奏が終了の予定です。

コギト

今も演奏されている途中で、ストリーミング配信を聴くこともできます。

「ロングプレイヤー」の演奏中のライヴ・ストリーミング配信

20分くらいの曲をチベットの鈴（りん）と銅鑼で演奏し、録音します。

この20分の演奏をコンピューターで変化させることで無限のバリエーションができて、1000年の演奏にするとのこと。

曲が終わるのはあと900年以上先ですよ。

コギト

作曲したジェム・ファイナーさんも私達も、曲を最後まで聴くことができなさそうですね…。

世界一短い曲：「You Suffer」/ナパーム・デス

コギト

では世界一短い曲はどのくらいでしょう？

男子

２秒、とか！

おしい。世界一短い曲としてギネスブックに掲載されている曲はデスメタルバンド、ナパーム・デスの「You suffer」（お前は苦しむ）という曲です。

この曲は1.316秒です。聴いてみましょう。

とても聞き取れませんが、歌詞は「You Suffer But Why?」（お前は苦しむ、しかしなぜ？）と歌っているそうです。

1986年に録音されて、アルバム「スカム」に収録されています。

「苦しむことに意味はあるのか？ 何に苦しむために俺たちは作られたのだろうか？」というメッセージが込められている、らしいですよ。

コギト

メッセージを感じる前に曲が終わってしまうという…。

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コギト

ドミソの和音っていつできたか知っていますか？

中学生

えーっと…、昔々…？

そうなんです。ドミソという３和音は中世の時代からルネサンスの時代、つまり１３世紀から１４世紀にかけてだんだんと使われるようになっていきました。

中学生

それまでは和音ってなかったんですか？

コギト

そもそも和音は旋律と旋律が重なり合ってできていったんだよ。

↓この記事で参考にした本

西洋音楽史大図鑑

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もともとは一つの旋律だけで歌ってた（グレゴリオ聖歌）

もちろん最初９世紀〜１２世紀くらいは２つの音を合わせた音楽はみつかっていなくて、一つのメロディだけの音楽しかなかったみたいです。

グレゴリオ聖歌がその代表です。

一つの旋律に音を重ねて歌う（平行オルガヌム）

１２世紀頃にはこの一つの旋律のグレゴリオ聖歌に５度の音（ドとソ）を重ねて歌う「平行オルガヌム」という技法が誕生して、音を重ねるという発明がされました。

その後音の重ね方が複雑に→ド・ミ・ソが重なる

その後１３世紀からはおとの重ね方が複雑になって、重ねる音も３つ、４つになっていき、ドとソだけでなく、ミの音も重なるようになっていきました。

３度（ドとミ）や６度（ドとラ）が甘く響くなぁということでたくさん使ったのが、ジョン・ダンスタブルという人です。

コギト

和音がジャーンと鳴るのではなくて、旋律と旋律が重なることで和音が生まれていったんだ。

和音は最初から和音単独として鳴らされたわけではなく、旋律と旋律が重なり合う結果として三和音の響きが生まれた、と言えます。

バロック時代にドミソが和音として独立して使われ始める

このあとバロックという時代になってドミソの３和音が独立して「ジャーン」と鳴らされ使われることが普通になっていきました。

ルネサンスとバロックの境目で活躍したモンテベルディ（1567-1643）の最初期のオペラ「オルフェオ」では、しっかりとした器楽の和音の伴奏の上に歌の旋律が乗っていることがわかりますね。

和音を駆使して劇的な表現や不協和音も使われるようになっていきました。

中学生

この時代に出来たドミソが今自分たちが聴いているポップスにも普通に使われているんだね〜。

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聴かれないのが目的の曲なんてある？

今日の「授業で使えるアイスブレークになる小噺」はこちらです。

音楽の先生

聴かれないように作った曲があることを知っていますか？

生徒

えー！音楽って聴くものだよね。

生徒

それってBGMのことじゃない？

そうなんです。今日紹介する曲は今お店やYouTubeで流れたりしているBGMの元祖と言われている曲なんです。

BGMは「バックグラウンドミュージック」と言って、レストランやお店、テレビなどで流れている音楽。

BGMは、食事をしたり・会話をしたり・劇を鑑賞したりする中で後ろに流れている後ろで流れていて、その場を盛り上げたり、気分を良くしたりするもの。別になくても構わない音楽とも言えますね。

エリック・サティの「家具の音楽」

で、BGMの元祖はエリック・サティという人が作った「家具の音楽」というものなんです。

どうしてサティは家具の音楽を思いついて作ったのでしょうか。

作曲したエリック・サティがレストランで友人とお話しながら食事をしていた時に、レストランにいたバンドがとても大きな音で演奏していたため、うるさくてレストランを飛び出してしまったことがありました。

そのころはもちろんCDもYouTubeもなくて音楽は生演奏で聴くのが主流でしたから「音楽はありがたく耳を澄ませて聴くもの」だったと思われます。

でもサティはこの経験から

• 周囲の騒音があってもいい音楽
• 聴く人の感情を無理に盛り上げない音楽
• 意識されずに快適に聴き流せる音楽

を作ろうと思ったのです。

この「家具の音楽」を初めて演奏するときに、サティは演奏される会場でこのように伝えました。

皆さまは音楽に気をとられず、あたかも音楽などは存在しないかのように、休憩時を過ごしていただきたいと思います。

この音楽は、個人的な会話とか、飾り絵とか、皆さまの中でかけておられる方もあれば、かけておられない方もあるロビーの椅子などと同じ程度の役割しか果たしていないのですから。

椅子と同じくらい気にされない音楽、ということで「家具の音楽」という名前なんですね。

大失敗？に終わった「家具の音楽」の初演

でもこの初めての演奏は失敗に終わりました。

なにも上手く演奏できなかったというわけではないんです。

この曲はコンサートの合間の休憩中に「聴かれない音楽」として演奏されることになっていましたが、プログラムにも「この曲は聴かないでください」と書いてあったにも関わらず、お客さんは熱心にその曲を聴きはじめてしまいました。

普通の音楽の演奏と変わりがないことになってしまったのです。

音楽の先生

思い通りにならなかったサティは演奏中に怒って「おしゃべりを続けなさい！」と怒鳴り散らして猛烈な勢いで走りまわったけど効果がなかったんだって。おしまい。

生徒

へぇ〜。

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こんにちは、音楽授業教材研究家のコギトです。

今日は鑑賞の授業で「曲の印象について答えさせること」について考えてみたいと思います。

鑑賞授業では曲の印象について、発言させたり、書かせたりすることが多いのではないでしょうか。

新米先生

学生時代に先生から質問されたこともあるし、教員になってから書かせたこともある…

コギト

曲の印象を答えるのってかなり難しいですよね

音楽は、曲を聴いた時の感覚や印象、感情などによって価値づけされます。

音楽教育の現場ではその印象を生徒が鑑賞授業で受け取る・理解することができているのか、という確認が必要です。

そのため「この曲の印象を書いてみよう」となるわけです。

しかし、「ブラームスの交響曲の１番４楽章の印象や感想を答えてください」と言われても音楽教員である我々でもどう答えるか結構難しいのではないでしょうか。

そもそも１曲の中でも曲想が様々に移り変わっていくし、音楽が言葉で表せ切れるわけはないことははっきりしているし。

新米先生

音楽を真面目に勉強している人ほどこの質問には答えにくいのかも…

鑑賞授業で多くなる、この「曲の印象に対する問いかけについて」今日は考えてみましょう。

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評価をしなければいけない音楽の授業

音楽の先生だって曲の印象を言葉で表すのが難しいことくらいわかっているのだけど、生徒の音楽の学習に対して評価をしなければいけないのが辛いところ。

なにかしら生徒に質問したりして、鑑賞の授業をした時の点数化をしなければいけないわけですよね。

だから曲の印象を答えさせたり書かせたりして、生徒を評価する材料にしようとするわけです。

最終的に音楽の演奏する技術や知識について点数化することはできても、音楽性や演奏についての点数化は基本的にはできないと私は思っています。

教員

音楽コンクールで点数にして順位をつけたり、フィギアスケートの芸術点なんていうのも基本的にはちょっと変なことだよね…

よって音楽の授業の評価も、

• 作曲家の名前を知っているか
• 演奏技術がどのくらい身についたか

ということは評価できても、

• 演奏の音楽性に点数をつける
• 鑑賞の感想文などの記入を採点する

などの音楽性の理解や成長という点については評価・点数化することは無理があると思っています。

コギト

とはいえ評価はしなければいけないので、現実的なラインで定量化できるものだけで評価はするようにしますけど…

音楽の授業に関する学習評価というものについて私は懐疑的ですし、はなからちゃんとできると思わずにやっています。

コギト

評価しなければいけない場面では「あくまで私個人の評価だから」と念押ししたりします。

問題なのはこのような場面で強引に音楽性の評価を点数化しようとしてしまうと、本来答えのない音楽の世界に答えを捏造してしまうこと。

そうすると、「ベートーヴェンの交響曲第５番の冒頭の動機は何を表現していますか」という採点のしようがないテスト問題が生まれたりします。それに対する答えはないのです。

そしてそのようなテスト問題などに接することで音楽の解釈には何かしらの正解があると誤解して生徒は本来の音楽の価値がわからなくなっていく、ということがあるのではないでしょうか。

どうやって曲の印象について質問する？

音楽の先生

音楽聴いて何を感じるかは自由だから、聴かせるだけでいいよね〜

音楽は言葉で言い表せないからといって、ただ聴かせるだけでは鑑賞の授業が成立しません。

ここで言いたいのは、「安易に曲の印象を生徒に答えさせるのはあまり意味がない」ということであって、鑑賞授業をやるのは意味がないということではないです。

曲の印象を答えさせるのならもっと注意深くなる必要があるので、ここではそのアイデアとして２つ挙げてみました。

音の要素を根拠として答えさせる

ある曲の印象を答えさせたとして、しっかりと「なぜそう感じたのか」を鳴っている音を根拠としてセットで答えさせることが有効です。

を語らせることで、答えに論理性と説得力が生まれます。

中学生

曲の最後の部分で金管楽器の高い音がなったり、リズムが細かくなったりしたので、嬉しくなっていると感じました。

みたいな感じです。

「なんでそう感じたの？」というのは私もよく使う質問フレーズです。

コギト

音楽を言葉で表現は100＆できないものの、言葉で整理してみようとすることは大事だと思っています。

小学校低学年では音の根拠を付けて印象を答えるというのは難しいので、先生のほうで注目させる部分を示したり、「ここで高い音があるとどんな風に感じるかなー」と噛み砕いた質問をする必要がありますね。

短い部分を切り出して質問する

ブラームスの交響曲１番の第４楽章を鑑賞教材で扱っていたとして、曲の印象について発問する場合を考えてみましょう。

冒頭と最後とではまったく意見が異なりそうですね。

例えば最初の10秒程度だけを聴かせて「この部分だけを７文字以内でタイトルをつけるとしたら？」と質問してみるとどうでしょう？

これなら結構曲の印象を答えるのにハードルが下がると思いませんか？

クイズ番組みたいにして紙に書いたり、ICT端末から付箋ツールで一斉に提出とかしても面白いかも。

• 「悲痛」
• 「沈んでいく」
• 「ショックとため息」

などの答えが挙がりそうです。先ほど説明した考えた根拠もある一部分の話しなら答えやすいですよね。

中学生

最初大きな音がしたので何かの事件でショック受けて、それに落胆してはぁ〜っていうのがその後小さくなっていく音で表されていると思う。

みたいな感じです。

またいくら音楽に答えはないと言ってもブラームスのこの曲の冒頭に「陽気な子ども」みたいな印象を答えるなら（さすがにいないと思う）それはちょっと的外れであるとわかります。

新米先生

正解はないけど、なんでも良いわけでもないもんね…

クラシックの曲の場合は特に対比的な部分も多く曲想の移り変わりがあるので、曲全体についての発言は難しくなります。

一部分に話しを絞って議論するのが良いですね。

鑑賞の授業の発問は慎重に

鑑賞授業では、プリントの最後や鑑賞カードなどに「この曲を聴いた感想を自由に書きましょう」と自由筆記欄を設けることも結構多いです。

それ自体は特に否定することもないのですが、例えばそこに書いたことを評価として使うのであればもっと注意が必要です。

少なくとも「この曲の鑑賞で学んだことを具体的な音の要素をあげながらまとめましょう」くらいの質問の仕方は必要ではないでしょうか。

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中学生

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中学生

展覧会の絵の曲ってそれぞれモデルとなった絵があるって本当？

ムソルグスキー作曲の組曲「展覧会の絵（Pictures at an Exhibition）」は、ムソルグスキーの親友であったヴィクトル・ガルトマンという画家・建築家の遺作展を観たときの印象を音楽に表したもの。

組曲「展覧会の絵」では10枚の絵画をモデルにした曲が作曲されていて、その絵画の作者がガルトマンです。

この10枚の絵画を表現した曲に、「プロムナード」（散歩道の意味）という展覧会の中の絵から絵へと歩いて移動する音楽がはさまっているのが特徴です。

ガルトマンが描いた10枚の絵は遺作展に並べられていたものの、その後散逸してしまったらしく、これだと断定されているものから、推測の段階のものまであり、10曲に対してすべて「これが曲のモデルだ」と断定できていません。

1991年に作曲家の團伊玖磨さんがNHKと共同してこの絵画を探し当てようとロシアを尋ねる番組を製作しました。

※埋込みができませんでしたが、以下から視聴できます。
https://youtu.be/y7YAuhV35_U?si=9Ff_8Gam3pZAV2vT
革命に消えた絵画　追跡　ムソルグスキー「展覧会の絵」　

書籍版もあります。

追跡ムソルグスキー展覧会の絵

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今回はこの番組と書籍を参考に、組曲「展覧会の絵」の

をしていきます。

今回はラヴェルがオーケストラに編曲したものを基本に話しを進めていきます。

コギト

各曲を埋め込み動画で聴きながら読めるようにしていますので是非参考にしてくださいね！

組曲「展覧会の絵」の鑑賞授業教材がダウンロードできます！
【中学校・高校】「展覧会の絵」鑑賞授業ネタ（指導案がなくてもできる！）

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ムソルグスキー：組曲「展覧会の絵」の全体構成

組曲「展覧会の絵」の楽曲構成は以下のようになっています。

曲が移り変わると長調から短調になったり、テンポがガラッと変わったりしてさながらジェットコースターのように飽きさせない工夫がされていることがわかります。

コギト

ただ変化をつけるだけじゃなく、流れや全体的まとまりもあるから傑作なのですよね。

プロムナードとは？

コギト

プロムナードとは「散歩道」のこと。

プロムナードは音楽用語ではありません。

ムソルグスキーがこの組曲の中で独自に名付けた「絵画から絵画へのパッセージ（移行）」としての音楽です。

教員

組曲の一番最初もプロムナードから始まるから、これは前奏曲的な役割もあるかもね。

ムソルグスキーはこの旋律を５回出てくる各プロムナード（「死者とともに死者の言葉で」も含めると６回）で使っています。

プロムナードのアイコンとも言える旋律です。

「展覧会の絵」の各曲解説

コギト

それでは各曲について解説していきます。

プロムナード１

プロムナードについての説明は前述しました。

組曲の最初の曲でとても有名な旋律ですが、１小節目が5/4拍子、２小節目は6/4拍子。変拍子と転拍子が入り混じった複雑な拍子をしています。

新米先生

こんなに複雑なのにみんなが知ってる有名曲なのすごい…

コギト

以下、何度も出てくるプロムナードはこの旋律が必ず使われます。

最初はトランペットの独奏で始まります。

金管楽器で始まり、城の門でも吹かれるファンファーレのようですから「入口」を連想させ、組曲の幕開けにピッタリな感じがします。

中間の弦楽器の合奏が始まる部分も展覧会への期待に胸が高鳴るような気持ちを盛り上げるような効果があります。

１：グノーム

グノームとは「小人」という意味。この曲のモデルとして断定されてはいませんが、グノームを描いたガルトマンの絵はこれです↓

プロムナード１が終わってattacca（途切れなく）急速なフレーズで始まるこの曲は聴いている人をドキっとさせるもの。

「これが小人を表現した曲なのか？」と似つかわしく感じないかもしれません。

グノームは大地を司る精霊で、モノマネが好きでいたずらも得意。突然笑いながら石を投げたりするそう。

いたずら好きなグノームの神出鬼没なところや不気味な性格を描写しようとしたのかもしれません。

または、グノームそのものというより絵の鑑賞者がこの展覧会で初めて見る絵の新鮮・鮮烈な印象を音で表現しているのかもしれません。

飛び跳ねるような２音からなる旋律や、低音のドロドロしたトリルはグノームの動きを描写しているような感じがします。

プロムナード２

プロムナード２はプロムナード１と同じ旋律で構成されています。

「con delicatezza（繊細さをもって）」という楽想記号が付けられています。

遠くで響くような優しい音色で演奏されるホルンに始まり、伴奏は平和な田園風景を思わせるような木管楽器が担当します。

テンポも穏やかでゆっくりです。

２：古城

「古城」の絵も断定されていませんが、実際のガルトマンの遺作展の企画者スタソフはこの絵をこのように説明しています。

スタソフ

中世の城。その前では吟遊詩人が歌っている。

それに基づいて絵を探すと、近い絵画はこれになるようです。

城の前に男声の黒い影が見えますが、これが吟遊詩人というわけです。

コントラバス・チェロ・ファゴットが動きの少ないすこし退屈で古風な伴奏を奏でます。

それにのってオーケストラではあまり使われないサックス（サクソフォン）が登場します。

サックスのすこし憂鬱な旋律は吟遊詩人の歌声と思われます。

教員

サックスって「人の声に近い音色を出す」と言われてるわよね。

編曲したラヴェルのアイデアですが、この旋律に合う楽器はオーケストラの標準装備であるクラリネットでもオーボエでもなくサックスと考えたのでしょう。

プロムナード３

プロムナード３はプロムナード１と同じようにトランペットから始まります。

旋律は金管ですが、伴奏は弦楽器や木管楽器が主に受け持ち、プロムナード１よりも重厚な感じがします。

この曲は「さあここから盛り上がっていくのかな」というところでパタっと音楽が途切れます。

教員

歩いていたら次の絵に出くわして立ち止まった感じなのかな。

３：テュイルリーの庭

テュイルリーというのはパリの有名な公園の名前です。

ガルトマンは生涯でヨーロッパを訪れたことがあり、そこでの印象を絵にしています。ムソルグスキーは自筆譜にこのように書いています。

ムソルグスキー

テュイルリー、遊びの後のこどもたちのけんか

これも断定されていませんが、曲のイメージに近い絵として上げられているガルトマンの絵です。

曲は、子供の足取りや、笑い声などが木管楽器の速いパッセージで表現されていて軽快です。

コギト

ここまでの曲が重い曲調が続いていたため、バランスよく軽いテイストの曲を配置したのでしょうね。

４：ビドロ

「ビドロ」という言葉には２種類の意味があります。

１つ目の意味は「牛車」。言われてみれば低音で演奏される２つの和音を行ったり来たりする音型は重々しく進んでいく牛車をイメージさせるようでもあります。

ただしガルトマンの絵に「牛車」を表現するものは見つかっておらず、実際に行われムソルグスキが目にしたガルトマン遺作展の目録にも牛車の絵は記載されていません。

２つ目の意味は「（家畜のように）虐げられた人たち」。ロシアの中では侮蔑的な意味合いがある言葉です。

この意味で探すとギロチンの刑に処されている人と兵士の姿が描かれた「ポーランドの反乱」というガルトマンのスケッチが見つかります↓

この重々しい低音の連続は確かに「牛車」がゴトゴト移動していく様子を表すようでもあり、オーケストラ編曲をしたラヴェルは牛車が遠くから来て迫ってくる効果を出すために（ピアノ原曲が最初からffで始まるのとは違い）ppからのクレッシェンドで表現しています。

「追跡ムソルグスキー展覧会の絵/團伊玖磨」ではピアニストがこの２音の連続の音型を「ショパンの葬送行進曲に似ている」と指摘しています。

このような指摘やあまりに曲想が重苦しいことから、この曲が「虐げられた人たち」の表現なのではないかという考えも間違ったものではないと言えそうです。

ちなみに私見ですが、この曲は全曲の「テュイルリー」との対比を図っているように読み取れます。

この「テュイルリー」のフレーズはビドロの伴奏と、「２音の連続」という点で一致していますが、

と全くの対比になっていることがわかります。

プロムナード４

聴いてわかるように、他のプロムナードと違って、旋律の最初の２音が抜けた形になっています。

木管楽器の高い音で表現されており、空想的で浮遊しているような印象を与えます。

新米先生

どこかしら考え込んでいるような雰囲気…

コギト

他のプロムナードと違って短調になっているのも特徴的ですね。

最後には次の曲「卵の殻を被ったひな鳥の踊り」の旋律の一部が断片的に現れて予告され、次へのつながりを作っています。

５：卵の殻を被ったひな鳥の踊り

この曲のモデルの絵画は断定されたものが存在します。

ガルトマンが「トリルビー」というバレエの舞台衣装のために描いたデッサンです。

かわいいひな鳥のデッサンから想像される通りの曲で、飛び跳ねるような曲想でテンポも速いです。

装飾音（前打音）があるメロディはピヨピヨというひな鳥の鳴き声のようであり、２段目の左手の半音音階もひな鳥がチョコチョコと歩いているような感じがよく表現されています。

音楽の先生

途中で出てくる高音のトリルもかわいいですよね。

６：サミュエル・ゴールデンベルクとシュミイレ

この曲は二人の男の絵がモデルになった曲です。別名「二人のユダヤ人」と言われています。

新米先生

男の名前が題名になっているんですね。

これもモデルの絵は断定されていて、それぞれの男性を描いた２つの絵があります。

曲も２つの旋律が登場し、それぞれの性格を表していると考えられます。

コギト

最初は順番に現れる二人の旋律ですが、後半では同時に現れます。

何か言い合いをしているようにも感じられる後半の表現が聴きどころです。

プロムナード５

このプロムナード5はラヴェル編曲版ではカットされています。

コギト

名ピアニストのホロヴィッツ編曲でもカットされているみたいですね。

プロムナード１とほとんど同じような曲調で、確かにカットしてすぐ次に行ったほうがスッキリするような感じもありますね…。

７：リモージュ

ムソルグスキーはこの曲の楽譜にこのように書き込みました。

ムソルグスキー

女たちが喧嘩をしている。激しく怒ってつかみかかろうとするくらいに。

この絵の断定も出来ていませんが、リモージュとはフランス中西部の都市のこと。

ガルトマンがフランスで書いた市場のスケッチがそれではないかと推測されています。

せわしなく、まくしたてるようなテンポと旋律線で、聴いている人を楽しく急き立てるような音楽です。

音楽の先生

ごちゃごちゃ忙しく動き回る市場の様子がよく出ていますね。

１６分音符が絶え間なく続くことで止まらない疾走感がでているのと、３小節目でスフォルツァンドのアクセントが拍頭からずれて裏打ちになっていることでつんのめる感じも出ています。

８：カタコンブ

リモージュの音楽が盛り上がりきった所でattaccaで切れ間なくこの曲に突入します。カタコンブとは昔のキリスト教の地下墓地のこと。

コギト

お日様が輝く市場と薄暗い地下の墓場。すさまじいコントラスト！

この絵は残されていて、ガルトマン本人も描かれて（手前でランプを持っている）います。

ムソルグスキーの自筆譜にはこう書かれています。

ムソルグスキー

亡くなったガルトマンの創造精神が私を頭蓋骨（絵の右の壁）へと導いている。やがて頭蓋骨は静かに輝き始める。

ガルトマンへの鎮魂歌（レクイエム）であるとも感じられます。

曲は長い音の和音を連ねた瞑想的な曲想ですが、フォルテとピアノが何度も入れ替わりながら一音一音に表情がついているところが劇的でもあります。

天国を感じさせるような弱音から、砂を噛むような痛々しい響きの強奏和音まで一つ一つの和音それぞれにドラマがあるように感じられます。

コギト

和音だけで表現しきるところがすごいですね。

死者とともに死者の言葉で（プロムナード６）

この部分は「プロムナード」と名付けられていませんが、プロムナードの旋律が使われているため第６のプロムナードと見ることができます。

最初に現れる弦楽器の高音のトレモロがすすり泣きのように悲痛で、ガルトマンへの追悼を示しているように感じられます。

楽想記号は「con lamento（嘆きを持って）」。ラメントは音楽用語では死者をいたむ音楽の総称であり、嘆きの音楽のことです。

プロムナードの旋律からは８分音符が引き伸ばされて全て４分音符となっており、動きのない悲しい音楽となっています。

９：バーバ・ヤガー

バーバ・ヤガーとはロシアの伝説に登場する魔女の妖怪（ロシアの子どもたちにはおなじみの存在）で、暗い森に住み、道に迷った人間を小屋に連れ込んで食べてしまいます。

バーバ・ヤガーは臼に乗って森の中を移動するらしいです…。

ガルトマンの描いた絵はこの妖怪バーバ・ヤガーが住んでいる小屋のスケッチです。

バーバ・ヤガーの小屋は人骨の柵に囲まれた鶏の足の上に建っている小屋で、迷って近づいてきた人間に対して自在に入口の向きを変えられるように脚がついているとのこと。

ガルトマンの絵はその小屋を時計付きで描いています。

コギト

個人的にはバーバ・ヤガーの小屋をイメージするより、バーバ・ヤガーそのものをイメージしたほうが曲を捉えやすい感じがしています。

冒頭のこの部分はまさにバーバ・ヤガー登場、といった感じ。

長調になる部分はおどろおどろしさもありつつどこか楽しい感じもあります。

コギト

ロシアの音楽ってどこか「楽しいと暗いが共存」するようなところがありますよね。「一週間」とか「コロブチカ」とかってそんな感じ。

この部分はバーバ・ヤガーが森を豪快に駆け回っている（臼に乗って）様子がイメージできます。

中間のフルートの2音トレモロがある部分は曲が静まって、バーバ・ヤガーが森に隠れてひっそりと獲物を待っているよう。

10：キエフ（キーウ）の大門

バーバ・ヤガーからattacca で続けられるこの組曲の終曲。

キエフとはウクライナの首都（ウクライナ語読みではキーウ）。

建築家でもあったガルトマンはキエフ市募集の門の設計のコンテストに応募し好評だったのですが、結局門は建設されずに終わってしまいます。絵はそのスケッチです。

コギト

評価されたガルトマンの雄大な門を最後の曲のモデルに持ってくることで音楽的にもクライマックスを作ろうとしていることは明らかです。

高らかに歌い上げる冒頭の金管楽器のファンファーレが感動を呼びます。雄大な門を表すようでもあり、ガルトマンへの賛美も表したかったのではないでしょうか。

途中では静かに木管の合奏が挟まります（senza expressione「表情なしに」という指示）。

曲の緩急をつけるのに役立っています。

新米先生

何か遠い思い出を回想しているような…。それか門の前に急に穏やかな風が吹いてくるような曲想…

最後の部分はテレビ番組でも有名なクライマックスです。

コギト

曲が知られるのはいいけど、「ナニコレ珍百景」のイメージでしか聴けなくなるとちょっと悲しいですね…

ムソルグスキーのガルトマンへの伝えきれないくらいほどの思いが分厚い和音で表現されていると言えます。

音の厚みが増して、これ以上表現しきれないくらいの盛り上がりを見せ、シンバル・チューブラベル・トライアングル・大太鼓などあらゆる打楽器も使っています。

ピアノの楽譜（上掲）を見ると、7〜11小節などは手が足りないくらいいくつもの和音を押さえ、かつ、低めの音も重なっているため、ここだけ取って聞くと響きとしては汚いです。

ただ、それがかえって「表しきれないムソルグスキーの感情」をぶつけているようで感動を覚えてしまわないでしょうか。

コギト

血も涙も汗も全てごちゃまぜの全身全霊の表現、そういった感じがします。

ピアノ版で聴くとそれがよくわかります。

展覧会の絵はピアノ版も聴くべし

ラヴェルの類まれな編曲技術によって、原曲のピアノ版より有名になってしまった「展覧会の絵」。

実はピアノで名演奏を残しているロシアのピアニスト、スヴァトスラフ・リヒテルはラヴェル編曲に対してこう断じています。

リヒテル

私はあの編曲は嫌いだ。ムソルグスキーの音楽を理解していない。

ラヴェル版ではプロムナードの一つが省略されていたり、本来ffで始まるビドロを牛車が遠くから迫ってくる効果を出すためにppから始めて徐々にクレッシェンドするなど、ラヴェルの意図で変更されているところもあります。

どの部分がリヒテルの気にいらなかったのかは定かではありませんが、ピアノ版はラヴェルの管弦楽版に比べてもっと泥臭い印象を受けますね。

音楽の先生

ピアノ版も聴いてみて、ムソルグスキーは本当はどう表現したかったのか探ってみるのもおもしろそうね。

コギト

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今回は以上です！

悩める音楽教員

歌の授業でなかなか声が出なくて困ってる…

今回の記事では「歌わない生徒」にどのように指導するか、ということについて指導実例を交えて紹介していきます。

コギト

私が中学生だった頃の音楽の先生の上手な指導法を紹介。

音楽の授業で生徒が歌わないのはいろいろな原因が考えられます。

このそれぞれのタイプでまったくアプローチは異なりますが、今日は最も多く指導にも困る１番目の「恥ずかしいから歌わない」という生徒・クラスへの指導法について見ていきます。

不良中学生

めんどくせぇし、歌わねぇ。

中学生

周りが歌ってないし、声出すのも恥ずかしいな…

斜に構える生徒や周りと影響し合って声が出ない生徒は小学校高学年や中学生では結構出てきますよね。このような生徒に授業で歌ってもらうために結構手を焼きます。

斜に構えている生徒などは本当に「面倒くさい」と思っているわけではないことが多く、自分のイメージ作り（ダルそうな自分ってカッコいいみたいな）でそうしていることも多いです。

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• ICTを駆使・時短マニアnoteで自作教材をアップ、3000ダウンロードを突破！
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歌唱指導が上手だった先生の話

自分が中学生の頃の音楽の先生の歌唱指導が上手だったのでその話をさせて下さい。

自分の通っていた中学校は生徒数800人くらいの田舎の大きい学校で、荒れているわけでもなかったですが、まあまあヤンチャな生徒もいました。

音楽の先生は２人いました。一人は超バブリーなスーツ（ピンク！肩パット）を着こなし、メイクもバッチリの音楽の先生（バブリー先生と呼ぶことにします）。もう一人は普通のタイプのB先生。どちらも女性でした。

バブリー先生は斜に構えた生徒を歌わせるという意味ではプロでした。

１時間あれば普段担当していないクラスの生徒でもしっかり声を出させることができるので、体育館で行われる卒業式の式歌練習の担当はいつもB先生ではなくバブリー先生でした。

驚いたのは、バブリー先生が式歌練習で指導し、みんなが声を出すようになって終了した次の日。

バブリー先生が都合か何かでお休みし、B先生が式歌練習を担当することになりました。

一旦声が出るようになったんだから大丈夫では、と思いますが、なんとB先生になった途端またみんなの声が出なくなっていったんです。

コギト

指導する人で声出さなくなるんだ…、って感じでした。

新米先生

先生が作る指導の雰囲気で声出すかが決まる…、技術の問題じゃないんだ。

バブリー先生は、

A先生

声出さないなんてありえないわよ。

という空気感を非常に上手に出します。元ヤンという噂もあった先生で怒ると多分怖いのでしょうが、普段怒ることはなく、言葉遣いもきっぱりしているけど丁寧。高圧的ではなく怒声もありませんが、毅然とした態度をいつも示しつつ指導をします。

決して叱る・怖い指導で声を出させていたわけではありませんでした。

みんなが歌うようになる「勇気」の指導

発声によって声を豊かなものへ導いていくことが重要であることはもちろんです。

でも歌が好きな子・嫌いな子もいろいろ集まる中学生の歌の指導の第一歩は臆せずに声を出すことです。

新米先生

歌わないのは技術の問題ではなくまずは気持ちの問題…

合唱部や合唱団であれば歌うことに対してモチベーションがある状態でのスタートですが、小学校・中学校の音楽の授業は音楽が苦手・できればやりたくない・人前で歌うのはイヤという子も参加しています。

悩める音楽教員

義務感Maxで参加してくる生徒にどうやって声を出させるか…

そういった生徒たちもちゃんと授業で歌うような空気作りが重要です。バブリー先生の指導を今思い返しながら分析してみると、以下のようなことがポイントでした。

「声を出す指導」の流れ

式歌練習などの時には音取りも済ませて歌える状態ではあるのに最初は全然声が出ません。普段歌うような生徒も体育館の雰囲気や周りが歌わないことに飲まれて声を出さないので、全員そろって声が出ていない状態です。

A先生は発声法や声の響かせ方を最初に指導するのではなく、直球に、

A先生

声が出ていません、その５倍くらいの声で歌わないと私は納得しません。

みたいにきっぱり言います。

今思い返してみると、すでにこの言葉がけが上手です。

「5倍で歌え」→数字で表すと目につきやすくわかりやすい（ビジネス界でも良く使われる手法）
「納得しない」→「許しません」だと生徒が悪いことをしているイメージになるから避ける（「私」を主語にするアイメッセージ手法）

でもそれだけではいきなり声が大きくなったりしませんよね。全然変わらないか、むしろより声が小さくなってしまうことすらあります。

A先生はどうするのか。

A先生

あら、さっきより声が小さくなってしまったじゃない。５倍どころか７倍になっちゃいましたね。さーどーするの大変。終わらないね〜。

みたいな感じで言います。

こんな感じで「歌わなければいけない」空気作りを着々と形成していくわけです。

音楽の先生

歌わなくて困るのは先生でなく、あなたたちだね、っていうのを暗に言ってるところもズルい（上手い）。

この次また同じく声が出ていなかったら、伴奏を止めて無言でもういちど前奏を弾き始めたりします。

A先生

何が言いたいかわかるわよね？ん？

と言わんばかり。

または、ピアノの低音を手のひらで「ドーン」と鳴らしたりして

A先生

残念ながらやり直しだわ。

とまた同じところを歌わせたりします。この段階、結構スパルタです。

こういう空気感でやっていくと少しピリピリした緊張感が出てくるのですが、集団の中にはこんな子も出始めます。

中学生

そろそろちゃんと歌わないと…

不良中学生

くそっ！負けてらんねぇ！

「ちゃんとやらなきゃ」とか「負けてたまるか」という気持ちを上手に煽っていくんですね。そうすると声を出してくる生徒（真面目な子や負けん気が強い子）が出てくるんです。

そうなったらその生徒をバブリー先生は、

A先生

すばらしいわ！あなたなんて言う名前？

と褒めます。名前を知っている生徒であれば必ず名指しで褒めます。担当外で知らなければ名前を大きな声で言わせます。これは「ネーム・コーリング効果」という心理学的手法で、名前を呼ばれたりすることによって親密性・信頼感を獲得する方法。

音楽の先生

「名前知られたし、ちゃんと歌っとかなきゃ」って思わせちゃうわけね。

この段階で先陣きって声を出して歌う生徒はクラスでも中心的な生徒が多いです。そういう生徒は周りに及ぼす影響も結構大きいもの。ここまでくると、その周りの生徒も「隣がちゃんと歌っているから」という理由でだんだんと声を出し始めるんですよね。

このようにやっていって１時間もすればほとんど全員が大きな声で歌えるようになってるんです。

コギト

あの先生の指導、上手かったなと今でも思います。

歌唱「表現」の指導はまず声を出せるようになってから

新米先生

でもただ大きな声出せばいいわけでもないよね…

バブリー先生の本当の歌唱指導は「大きな声が人前で出せる」という気持ち的な土台ができてからでした。

コギト

みんなが一旦大きな声で歌えるように温めてから、強弱なんかを指導していって最後仕上げるという順番でした。

考えてみれば、「気恥ずかしくて人前で大きな声で歌うのを戸惑っている」状態の生徒にフォルテだのピアノだの表現できるわけありませんからね。

バブリー先生はまず「声を出すという勇気」を達成させてから表現の指導に移ったわけです。

新米先生

気持ちの土台作りが大事…。

厳し目の指導で反抗はしないのか？

教員

厳し目の指導で生徒がへそ曲げたりしないのかな…？

A先生の場合生徒がへそ曲げたり逆に荒れるということはありませんでした。

「厳しくされて嫌だったなー」と心身疲弊して教室に戻るというよりは「いやー気持ちよく歌えたよねー」って爽快感漂わせて教室に戻る生徒が多かったです。

コギト

私もバブリー先生の歌唱指導、逆に楽しみにしてました。カタルシスを得た感じの生徒が多かったですよ。

音楽の先生

基本的にはみんな歌は好きだし、本当は歌いたいんだよね…

まとめ 周りの目を気にするブロックを取り除く

バブリー先生の指導法、賛否両論あるかもしれませんが、中学生だった私にしても、今から考えても悪くはない方法だなと思っています。

ちゃんと歌える技術と声があっても歌わない生徒は気持ちの問題が大きいです。

音楽の先生

音楽やるよりまず声を出す勇気の指導をするってことですね。

• 自分の普段のキャラで「めんどくせぇし歌わねぇ」という態度にしておく
• 周りの声が出ていないから自分も出さない

本当は歌えるのに敢えて歌わないのは「歌うと人にどう見られるか」という周りの目を気にするからです。

コギト

歌わないことへの指導は周りの目も含めた「集団指導」なんです。

そもそも恥ずかしいという感情は周りに対して「自分だけ違う」と感じるものなので、歌っている集団が「歌うのが普通」「歌わないのはダサい」みたいな雰囲気になれば、恥ずかしさから歌わない生徒は出ません。

最初に一人・二人と声を出してくれる生徒が出始めるまでが時間かかったりするのですが、そこから次々と集団に連鎖してみんな声を出せるようになっていくことが多いです。

参考になれば幸いです。

今回は以上です！

新米先生

音楽教員はオーディオとか楽器とか使うから準備・片付けが大変…

音楽の授業は以下のような点で運営が大変な教科と言えます。

これに手間がかかって授業開始が5分遅れたり、片付けしてたらもう次の授業が迫っていたりしてしまいます。

コギト

指導以外の部分での授業運営を効率化したり時短したりすることはマスト。

「同じことするならなるべく楽に」というのは現役時代の私のモットーであり、仕事全般にも言える大原則かと思います。

男子

苦労しなきゃ成功できないっていうのは古い考え方だもんな！（達観）

今年から先生になられた方や、自分の時間を効率的に使いたい先生は是非今回の記事を読み、なるべく楽に音楽授業を運営することをおすすめします。

そうすることで指導にかけられる時間や力も増えて教育の質もあがることでしょう！

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自分の手を極力動かさないように仕組み化する

音楽の授業は他の教科と比べて準備や片付けなどの手間が多い教科です。

そんな中、授業以外の「自分でなくてもできる仕事」はなるべく自分でやらないようにする（他の人にしてもらう）というのが一番効果的な方法です。

コギト

生徒ができることはすべて生徒にやってもらい、授業運営に参画させましょう。

新米先生

そんなことすると生徒に悪いのでは…？

以下のようなことは生徒にやらせてはいけません。

逆にそれ以外であれば、生徒が行う活動である音楽授業の準備や片付けなどは「自分たちが行うこと」であるので、むしろできるだけやらせた方が自主性が高まるというもの（そして先生は楽）。

コギト

やらせた方が生き生きする生徒もいるので、そういう子を中心に巻き込んでいくといいですね。

音楽の授業運営を楽にするウラ技5つ

私がやっていたウラ技（といえる程でもない）は以下のようなものでした。

持ち物を固定しておく

授業に持ってくる持ち物は以下のように決めて年度初めに「何があっても絶対持ってきなさい」と指示します。

• 教科書
• 筆記用具
• リコーダー

コギト

使わなくても絶対に持ってくるようにしておくのがポイント。

音楽室への移動を伴った音楽の授業では持ち物の連絡を忘れると大変。やりたかった授業ができずに後回しになったりもします。

生徒

最近は鑑賞やってたんでリコーダーはいらないと思っていました！

など勝手に判断する生徒もいたりします（やめてくれ）。

こういう事があるとその日の授業がどんどんグチャついてきます。

またリコーダーを使う予定でなかったとしても急に予定が変わったり、パッと思いついて使いたい場面があったりする場合もあります。

こういう感じで持ち物関係トラブルを最小限にするために「持ち物を固定化」しておくのです。

音楽の先生

確かに、固定化しておけば、その他の追加の持ち物がある時だけ連絡すればいいもんね。

毎回の授業で「リコーダーはいる」「リコーダーはいらない」などと指示を出すのは面倒なので止めましょう。

生徒

次の音楽の授業はリコーダーいるのー？

などいちいち質問してくる生徒もいますが、「どういう決まりだっけ？」と決まりに従うように促すようにしてルールを徹底させます。

貸出楽器の指定席を決めてナンバリング

貸出用の楽器（ギターや箏など）は、しっかり指定席を作ると準備・片付けが楽になります。

10台楽器があるとしたら、それぞれに「１，２、３」とシールを貼っておくなどしてナンバリングし、それに対応した棚の置き場所にも番号を貼っておきます。

教員

1番のギターには1番の場所に置く、みたいな感じですね。

このような運用にすると、生徒が片付ける時に雑になることも少ないですし、「○番のギターがない」とすぐにわかったりしますので管理が楽になります。

器楽の初回授業前に貸出楽器を整備しておき、器楽の授業の最初にルールを生徒に伝えられるようにしておきましょう。

楽器に貼ったナンバーが必ず見えるようにしまうことや、ケースへのしまいかたなど、自分が後からなるべく手間がないような方法で管理させるのが大事です。

コギト

最初の数回は厳しく見張って伝えたことを定着させるのがミソ。先生のチェックや手入れがなくなるくらいまで徹底させます。定着すれば楽になります。

音楽の係がいるなら、その子に管理の管理をやらせて、チェックをさせて報告に来させる、というのも一案ですね。

当番を決めて黒板消しや窓閉め、配付をさせる

授業が終わったら黒板を消したり、昼休み前や一日の最後の授業では窓を閉める必要があります。これも音楽の先生でなければできないことではありませんので生徒にやらせるようにします。

授業したクラスの日直は授業後必ず黒板と窓閉めをする、というルールにしておくと、これが自動になります。

新米先生

毎回指示しなくてもいいように仕組み化しておくのが大事…。

コギト

日直だと忘れ安いので音楽係をつくってもいいかと思います。

常時活動は生徒に仕切らせる

例えば授業の最初は「今月の鑑賞曲」や「今月の歌」を歌うことになっていたとします（常時活動といいます）。

その場合、指導は生徒にはできませんが、それに関わってラジカセを出すとか、歌詞カードを配るなどの準備を生徒が自分たちでできるようにしておく環境にしておくと楽になります。

音楽の先生

その間に先生は自分の授業準備できるもんね。

授業の最初の何分かは合唱のパート練習をする、という場合もあると思います。その場合はパートリーダーを決めて、パート練習や発声練習を仕切らせるのもありですね。

新米先生

私の中学時代、そうだったかも…

↓常時活動については以下の記事を参考にしてください
【音楽授業のコツ】常時活動をつくれば楽しい授業ができる！

教材準備はアシスタントさんにお願いする

ワークシートを印刷したり、「楽器をつくろう！」などのような単元の場合は教材を自作・準備したりする必要があります。

最近は業務サポーターさんという存在がいる学校も増えていると思うので、プリントの印刷やクラスごとの仕分けなど、できることはお願いするのが良いです。

自分も業務サポーターさんにかなり仕事をお願いしていましたので、その依頼すら半自動化していました。

1学年分の鑑賞授業のプリントが出来上がったら「1組は○枚、2組は○枚」みたいにプリントを印刷、仕分けしてもらいますが、その指示をサポーターさんに口頭でせずに紙に書いておき、仕事が終わったらその指示書も返してもらうようにします。

そうすれば２回目からはその紙と出来上がったプリント１枚をサポーターさんに渡すだけ。「前と同じ感じでお願いしまーす」というだけでプリントが全クラス分出来上がってくる、というわけです。

コギト

「予備を何枚」「指導用に１枚」「穴を開けて下さい」なども全部指示書に書いておけばやってもらえます。

業務サポーター様さまですね。

コギト

いない学校は…、ホントお疲れ様です

まとめ　「指示がなくても毎回自動で」を作っていく

新米先生

毎回自分が指示を出さないとやらないシステムだと、忘れちゃったらおしまい…。

片付けや椅子を入れるなどの行動は毎回自分が指示を出す感じだと、指示を忘れた時に全部自分でやらなければいけなくなり大変になります。

そういうことがないように、授業で毎回行う行動とセットにして組み込んでしまうのがおすすめです。

たとえば授業終わりにイスを机に入れて整頓させてから帰らせたいのであれば、最後の挨拶のときの号令を以下のように決めます。

生徒

起立・イスを整頓してください（終わるまで待つ）・気をつけ・礼

毎回必ず行われる「号令」に「イスの整頓」をセットで組み込んでしまうワザです。

音楽の先生

これなら自分が指示忘れるというエラーもなくなる。

以上紹介してきた授業を楽にするワザは最初仕込むまでが大変だったりしますが、だんだん楽になってきて、2学期くらいからは格段に楽になって効果を実感するはず。

コギト

休み時間などに時間の余裕ができるようになるので是非やってみてくださいね！

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今回は以上です！